Algunas fechas conmemorativas, como Halloween y Navidad, ganaron su espacio en Omelete con listados de producciones que traducen en pantalla la esencia de estas celebraciones. Ahora, nada mejor que centrarse en un momento histórico no sólo para los cinéfilos sino también para la cultura pop en general: los Oscar.
Para entrar en el espíritu de la ceremonia, que se celebra hoy ( 10 de marzo ), hemos preparado una lista de películas que explican un poco más la historia, las categorías e incluso las victorias y derrotas en los premios. Consulte nuestra selección de 30 películas que explican los Oscar a continuación.
Brasil central
Para abrir nuestro calentamiento previo a los Oscar, la única opción posible sería con una de las películas brasileñas que más marcó el premio (principalmente en la categoría de Mejor Actriz): Central do Brasil .
La historia de Brasil en el premio comenzó hace mucho tiempo, cuando Ary Barroso se convirtió en el primer brasileño nominado por la Academia, en 1945. Pero fue en 1962 cuando Brasil recibió su primera nominación a Mejor Película Extranjera, con el clásico El pagador de Promesas . Desde entonces, numerosas producciones brasileñas intentaron conquistar su lugar en los premios, con O Quatrilho (1995) y O Que é Isso, Companheiro? (1997) compitiendo en la categoría de producciones internacionales – pero fue Central do Brasil , en 1999, la que abrió los ojos del mundo a nuestro cine.
La película dirigida por Walter Salles se convirtió en un hito en la historia del séptimo arte, dando un impulso considerable al demostrar que las producciones nacionales debían tener su espacio en el circuito mundial. Hasta el día de hoy, Fernanda Montenegro es la primera y única actriz brasileña nominada al Oscar en la categoría de Mejor Actriz, y su derrota ante Gwyneth Paltrow (por Shakespeare in Love ) sigue siendo objeto de debate. Puede que Fernanda no haya ganado el premio, pero su nominación al menos sirve como prueba de que es, y siempre será, una de las mejores actrices que jamás haya existido.
¿Dónde mirar? Disponible en Globoplay .
shrek
Sí, Shrek no podía quedarse fuera de esta lista; después de todo, la película dirigida por Andrew Adamson y Vicky Jenson fue la primera en ganar la categoría de Mejor Película de Animación en los Oscar.
La historia del ogro comenzó a desarrollarse en 1995, con una idea inicial muy diferente a la que vimos, con un Shrek que viviría en un vertedero cercano a los humanos. En 1998 se utilizó software de animación propio para crear los personajes, junto con programas CGI y localizaciones reales, que dieron más realismo a la producción.
Con más de 275 personas trabajando incansablemente durante 4 años, la animación se convirtió en un hito en la historia del cine por su calidad visual, versatilidad y también por los temas tratados en su primer largometraje. A pesar de competir en la categoría con Monsters, Inc. y Jimmy Neutron , la popularidad de Shrek dentro y fuera de la Academia era innegable. Su relevancia continúa hoy, como una de las franquicias animadas más queridas de todas las generaciones.
¿Dónde mirar? Disponible en Prime Video , Netflix , Globoplay y más.
El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey
Nada como un poseedor de un récord para despertar nuestra curiosidad, ¿verdad? El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey coronó la trayectoria victoriosa de la saga de Peter Jackson en los Oscar, después de que La Comunidad del Anillo ganara cuatro estatuillas y Las Dos Torres se llevara dos más, el tercer largometraje adaptado de JRR Tolkien Los libros dominaron la ceremonia de 2004, ganando nada menos que 11 premios Oscar, incluidos mejor película y mejor dirección para Jackson. Es una marca sólo igualada por otras dos películas en la historia del premio: Ben-Hur en 1960 y Titanic en 1998.
El historial de El regreso del rey es más impresionante, quizás, porque es una película de fantasía, uno de esos géneros tradicionalmente ignorados por los Oscar. Sagas como Star Wars , Star Trek y Harry Potter aparecieron poco o nada en las listas de la Academia a lo largo de las décadas, mientras que películas aisladas y aclamadas como Avatar, El laberinto del fauno, El tigre y el dragón, La invención de Hugo Cabret e incluso la El clásico El Mago de Oz logró ganar premios técnicos, pero se mantuvo lejos de las categorías principales.
El regreso del rey es una de las pocas excepciones a esta regla (otra es La forma del agua , que ganó el premio a la mejor película en 2018), y se puede entender por qué: la refinada producción liderada por Jackson, combinada con la extraordinaria fuerza narrativa. del final de la saga de Tolkien, creó una de esas obras cuya primacía se vuelve simplemente innegable, incluso para aquellos que normalmente se esfuerzan por negarla.
¿Dónde mirar? Disponible en Prime Video y HBO Max .
... Y el viento se lo llevó
La duodécima edición de los Oscar fue un festín para los apasionados del cine: El Mago de Oz fue un soplo de aire fresco para los fanáticos de los musicales; En Tiempo de diligencias se convirtió en uno de los grandes clásicos del género occidental; Ninotchka nos regaló una actuación muy entretenida de Greta Garbo . Pero sólo una película marcaría la historia de los premios (para bien o para mal) y no pudimos evitar mencionarla; después de todo, es ... Lo que el viento se llevó .
La adaptación del libro de Margaret Mitchell fue un gran problema para los votantes de la Academia. Con el telón de fondo de la Guerra Civil, la historia sigue a la malcriada Scarlett O'Hara (interpretada por Vivien Leigh ) que intenta recuperarse con su familia durante el período de enfrentamiento entre el Sur y el Norte de Estados Unidos. Con un drama melódico y actuaciones destacadas, la producción obtuvo 8 de las 13 nominaciones que recibió. Sin embargo, la mayor e importante de estas victorias fue el Oscar a la mejor actriz de reparto para Hattie McDaniel , la primera mujer negra en llevarse la estatuilla a casa.
A pesar de ser homenajeado con el premio, la victoria fue un tanto agridulce. La alegría de la actriz era innegable, sin embargo, Hattie se vio obligada a sentarse en una mesa segregada durante la ceremonia y alejada de sus compañeros blancos. Fueron necesarios alrededor de 50 años para que otra actriz negra ganara la estatuilla, cuando Whoopi Goldberg ganó por Ghost . ¿Si algo ha cambiado hoy en día? La respuesta es no: sólo cinco mujeres negras han ganado como actriz de reparto, y sólo Halle Berry se llevó el premio en la categoría principal. Aunque en los últimos años han salido a la luz movimientos como #OscarsSoWhite, innumerables películas protagonizadas y dirigidas por personas negras han quedado de lado para premiar largometrajes de dudosa calidad, pero que fueron realizados por personas blancas.
¿Dónde mirar? Disponible en HBO Max .
Infiltrado en el Klan
Si hay alguien con buenas razones para estar amargado por los Oscar, ese es Spike Lee . Reconocido desde hace mucho tiempo como uno de los talentos definitorios del cine estadounidense, el cineasta nunca ganó un premio de dirección o mejor película, y antes de Klansman sólo había recibido nominaciones por guión (por Do the Right Thing ) y documental (por Four Girls ). Para colmo, el clásico absoluto Do the Right Thing quedó fuera de la lista de mejor película en 1990, año en el que los Oscar reconocieron la controvertida (por decir lo menos) Driving Miss Daisy .
Lamentablemente, las décadas que transcurrieron entre 1990 y 2019, año en el que Miembro del Klan compitió por seis premios Oscar, no trajeron tantos cambios. Ante la oportunidad de reconocer finalmente a Lee por uno de los mejores trabajos de su carrera, la Academia eligió… Green Book: The Guide , otra película realizada por artistas blancos que aborda el problema del racismo de una manera superficial y pontificante. Lee se llevó la estatuilla al mejor guión adaptado, la primera de su carrera, pero fue una victoria amarga.
Eso sin siquiera considerar que la película es una astuta mezcla de thriller y sátira sobre un oficial de policía negro ( John David Washington ) que, con la ayuda de un colega judío ( Adam Driver ), se infiltra en la organización racista Ku Klux Klan para frustrar un atentado. .terrorista. Es una obra que da testimonio de la vitalidad de Lee, y que mereció mucho más reconocimiento del que recibió.
¿Dónde mirar? Disponible en Telecine y Prime Video .
Sinfónica de París
Si pensabas que nuestra lista no incluiría algunos musicales, lamento informarte que Sinfonia de Paris es solo el primero. En sus 96 años de historia, sólo 10 musicales se han llevado a casa la estatuilla de Mejor Película, y todos contribuyeron a que tanto la entrega de premios como el cine abrieran las puertas a la genialidad del género.
Dirigida por Vincente Minnelli , la película protagonizada por Gene Kelly fue el primer musical filmado en color en ganar en la categoría principal, además de otras cinco estatuillas en categorías técnicas. La asociación entre Minnelli y Kelly fue una contribución importante para que los musicales alcanzaran su apogeo en la década de 1950, y fue con la Sinfonía de París que el dúo logró elevar el triunfo del género de lo imaginario sobre lo real y transportar al público a un lugar mágico.
La secuencia final de la película es algo en sí misma: mezclando pinturas de Toulouse-Lautrec, Renoir y otros, impresionantes decorados pintados a mano y vestuario que parecen tener vida propia, la escena de baile ininterrumpido de casi 17 minutos es una de las más hermoso y memorable de todos.cine. Hasta el día de hoy, la película es aclamada por varios directores y referenciada en varias producciones, incluida la reciente La La Land , que, según el propio director Damien Chazelle , es una oda a uno de los mejores musicales del cine.
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El exorcista
¿Alguna vez te has preguntado cuántas películas de terror han ganado el Oscar? La resistencia entre los votantes de la Academia al género es muy antigua, más precisamente desde 1932, cuando El Doctor y la Bestia recibió sólo 3 nominaciones a los premios (con una única victoria para Fredric March , en Mejor Actor). Pero, en 1973, El exorcista traería aún más discusión sobre la falta de inclusión del terror en los premios.
Fue gracias a la película dirigida por William Friedkin que los premios nominaron -por primera vez- una producción de terror en la categoría de Mejor Película. En el caso de Exorcista , la película compitió en un total de 10 categorías: Director, Diseño de Producción, Fotografía, Montaje y también en las categorías de actuación, con las brillantes y demoledoras actuaciones de Ellen Burstyn , Jason Miller y Linda Blair . La obra maestra de Friedkin, sin embargo, sólo ganaría dos estatuillas, una a Mejor Guión Adaptado y otra a Mejor Sonido.
Es interesante notar que a pesar de toda la aclamación, y siendo uno de los géneros más populares, el terror siguió quedando de lado cuando se trata de la Academia. En la historia, sólo otros cinco han logrado la misma hazaña de alcanzar la categoría principal del premio, con una victoria de El silencio de los corderos . Aunque innumerables películas de terror merecieron ganar un lugar en la categoría, siempre estuvo claro que el tema sería ignorado por los votantes.
Poco a poco, algunas producciones más recientes lograron incluso perforar la burbuja de los votantes, que celebraron (aunque mínimamente) películas como ¡ Fuera! , de Jordan Peele . Pero ¿cómo podemos ignorar actuaciones como la de Toni Collette en Hereditary ? ¿Y qué les espera a los amantes del terror en los próximos años? Puede que las perspectivas no sean tan buenas, pero esperamos que, al menos, el trabajo de quienes hacen buen cine de terror sea reconocido como se debe.
¿Dónde mirar? Disponible en HBO Max .
Ciudad de Dios
Si Central do Brasil abrió el camino al cine brasileño en las principales categorías de los Oscar con la nominación de Fernanda Montenegro a la mejor actriz, Cidade de Deus acabó pateando la puerta al ser recordada por la Academia a la mejor dirección ( Fernando Meirelles ), mejor adaptación. Guión ( Bráulio Mantovani ), Mejor Fotografía ( César Charlone ) y Mejor Montaje ( Daniel Rezende ). Detalle: todo esto sucedió en los Oscar de 2004, un año después de que Ciudad de Dios fuera desairada por la Academia mientras representaba a Brasil en la carrera a la Mejor Película Internacional (en ese momento, todavía llamada Película Extranjera).
El regreso triunfal de la película de Meirelles y Kátia Lund se debe en parte a la agresiva campaña de Miramax, que distribuyó Ciudad de Dios en las salas norteamericanas, pero también al innegable impacto cultural que la película acumuló durante el año siguiente a su estreno. Premiada en docenas de festivales y frecuentemente citada por la prensa internacional como una de las mejores y más innovadoras películas de todos los tiempos, Ciudad de Dios entró en la lengua pop en todo el mundo, y la Academia aprovechó la oportunidad para celebrar los logros, especialmente las técnicas - de la película y consiga una pequeña parte de esa popularidad para usted.
20 años después de su estreno, ver Ciudad de Dios y su éxito es agridulce: después de todo, Brasil nunca logró replicar el éxito de la película en los Oscar, y mucho menos en términos de impacto internacional. Por otro lado, el legado social de la película sigue siendo revalorizado por las personas involucradas en ella y por los habitantes de las comunidades que representa, ya que el retrato pop de las favelas propuesto por Meirelles y Lund nunca fue unánime. Para saber más, acceda a nuestro especial sobre el 20 aniversario de Cidade de Deus .
Todo en todas partes al mismo tiempo
Nunca una película tan innovadora había tenido tanto éxito en los Premios de la Academia, y lo mismo ocurre con la ciencia ficción. Con siete victorias en total en los Oscar 2023, incluidas Mejor Película, Mejor Director ( Daniels ) y Mejor Actriz ( Michelle Yeoh ), Everything in Everywhere at Once fue el paso más audaz que la Academia haya dado jamás para tratar de demostrar su vitalidad y relevancia dentro de el contexto del siglo XXI. Hay quienes (incluidos nosotros aquí en Omelete ) entienden este guiño a la época contemporánea como un movimiento cínico, pero es innegable que Tudo em Todo o Lugar entró en la historia de los Oscar.
Mejor aún: hacía mucho tiempo que una película tan buena emergía como la principal ganadora de la noche más importante del cine americano. Con un impulso pop imparable, los Daniels mezclan referencias del cine asiático para construir una historia palpitante de familia y resistencia al nihilismo que resuena aún más en un mundo directamente posterior al COVID-19. Era la película que necesitábamos, que todavía necesitamos y que probablemente seguiremos necesitando mientras podamos seguir posponiendo nuestra extinción.
Ah, y ya era hora de que Michelle Yeoh fuera honrada con una estatuilla que simbolizara las décadas de trabajo excepcional que había estado realizando, ya sea en el cine de acción de Hong Kong o en papeles secundarios (que muchas veces no la merecían) en Hollywood. Yeoh, la segunda mujer de color en ganar el Oscar a la mejor actriz, más de dos décadas después de que Halle Berry lo ganara por La última cena , representa lo que la Academia puede hacer mejor: apoyar el trabajo de las personas que lo utilizarán para hacer más. arte único y excelente, y legitimar el espacio que ocupan personas que no tienen ese espacio garantizado en la industria.
¿Dónde mirar? Disponible en Prime Vídeo .
Blanca Nieves y los Siete Enanos
Hace mucho tiempo, cuando la Academia aún no contaba con una categoría dedicada únicamente a las animaciones, un cuento de hadas basado en la historia de los hermanos Grimm abriría las puertas a un mundo de posibilidades. Blancanieves y los siete enanitos no solo se convirtió en la primera película animada de Disney, sino que también preparó el escenario para que las películas animadas ganaran su momento en los Oscar.
Para crear el primer largometraje animado en Estados Unidos –y cabe mencionar que el primero íntegramente en color en el mundo– se necesitaron alrededor de 750 artistas para crear más de 2 millones de bocetos, lo que dio como resultado 250.000 dibujos para crear la película. película. Si todo esto te parece absurdo, debes saber que el espíritu pionero de la animación no se detuvo ahí. Fue gracias a Blancanieves que los animadores estadounidenses comenzaron a utilizar numerosas técnicas de animación, como la rotoscopia. Para crear expresiones y movimientos, el estudio utilizó modelos vivos, tanto humanos como animales, para darle aún más movimiento y naturalidad a cada uno de los personajes.
Toda esta innovación hizo que Walt Disney se ganara su lugar en la animación estadounidense, y también llevó a que la película fuera nominada en la categoría de Mejor Banda Sonora en los Oscar de 1938. Al año siguiente, Disney ganó un Oscar honorífico un tanto “diferenciado”, donde recibió un normal. Estatuilla de un Oscar de tamaño grande y siete estatuillas en miniatura. Hoy en día, es imposible pensar en la animación sin recordar los grandes éxitos del estudio, pero también es imposible no hablar del cariño e insistencia de tantas otras personas de la industria para que producciones como Shrek , Toy Story , Pinocho , etc. muchos otros podrían pasar a formar parte de la historia del cine.
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Mad Max: Furia en el camino
Otro género que rara vez celebra la Academia del Oscar es la acción. La última vez que una película que estuvo francamente cerca de ser derrotada ganó la estatuilla de Mejor Película fue Operación francesa , en 1972 -y nunca se nos ocurriría menospreciar el clásico de William Friedkin , pero es extraño pensar que ninguno de los grandes logros del cine de acción han sido reconocidos en la mayor entrega de premios de Hollywood desde entonces. Quien tenía más posibilidades de romper esta “maldición” era George Miller y su ineludible Mad Max: Furia en la carretera , que dominó la conversación sobre cultura pop en 2016 y llegó a los Oscar con nada menos que 10 nominaciones, entre ellas Mejor Película y Mejor Dirección. .
Pero llegó el día de la ceremonia, y al final la Academia prefirió el protocolo Spotlight - Secrets Revealed para el premio principal de la noche, relegando a Fury Road a las categorías técnicas. Es cierto que hubo seis estatuillas en total, una cantidad impresionante, incluida una victoria sorpresa (¡y muy bienvenida!) al Mejor Diseño de Vestuario para la increíble Jenny Beavan . Pero reducir la película de Miller a sus muchos méritos técnicos es típico de una Academia que difícilmente puede ver méritos dramáticos en películas que se atreven a ir más allá de ciertos parámetros arbitrarios (y, sinceramente, algo tontos) de género y tono.
En cualquier caso, la devastadora actuación de Charlize Theron como Furiosa convirtió al personaje en uno de los más memorables en la historia del cine de Hollywood, y un desaire al Oscar no va a cambiar eso. Con una precuela que llegará a los cines a finales de este año, la franquicia guiada por la visión revolucionaria de Miller está inmortalizada mucho más allá de los libros de récords de la Academia.
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El silencio de los inocentes
Ya hemos hablado aquí de que El silencio de los inocentes fue el único largometraje de terror que ganó el Oscar a la mejor película, pero la obra de Jonathan Demme tiene otra huella importante. Junto con Sucedió una noche (1935) y Alguien voló sobre el nido del cuco (1976), completa el trío de películas que ganaron las cinco categorías principales del Oscar en su año, a saber: Mejor Película, Mejor Director (Demme), Mejor Actriz ( Jodie Foster ), Mejor Actor ( Anthony Hopkins ) y Mejor Guión (en este caso, Guión Adaptado, por Ted Tally ).
Es una hazaña poco común no sólo porque atestigua el dominio cultural de la película en el año de su estreno, sino también porque dice algo sobre cuán multifacética es su excelencia. El silencio de los corderos adapta el libro de Thomas Harris sobre el asesino en serie Hannibal Lecter (Hopkins, en una de las interpretaciones más cortas jamás premiadas en la categoría principal) y la detective Clarice Starling (Foster, que ganó su segundo Oscar antes de los 30 años), que se unen para investigar los asesinatos del terrible Buffalo Bill.
La tensión implacable expresada por Demme, junto con la densidad del texto de Tally, que confronta al mismo tiempo y con integridad la fascinación por los asesinos en serie y el machismo del mundo policial, hacen de El silencio de los corderos uno de los thrillers de investigación fundacionales de el género. Y no todas las películas dan papeles tan notables a protagonistas de dos géneros, hasta el punto de consolidar sus carreras de esa manera definitiva que muy pocas estrellas de cine logran hacer -después de El silencio de los inocentes , ya no importaba lo que Hopkins y Foster lo hicieron: siempre tendrían un lugar en el panteón de Hollywood.
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Pantera negra
Las películas de superhéroes tienen una historia en los Oscar más larga de lo que el público suele imaginar: la primera nominación llegó en 1941, cuando un corto animado de Superman perdió la estatuilla de su categoría ante Mickey, mientras que el primer premio llegó en 1978, cuando Superman de Christopher Reeve (de nuevo !) ganó un Oscar especial por efectos visuales, incluso antes de que se creara una categoría para el trabajo de artistas CGI. Batman (1989) venceu um Oscar de Melhor Direção de Arte, Homem-Aranha 2 (2004) ganhou Melhores Efeitos Visuais, O Cavaleiro das Trevas (2008) levou Melhor Ator Coadjuvante para Heath Ledger , Esquadrão Suicida (2016) ganhou Melhor Maquiagem & Penteado , y por ahí va.
La categoría de Mejor Película, sin embargo, se mantuvo al margen de las producciones de género hasta los Oscar de 2019, cuando Black Panther confió en su relevancia sociocultural y la excelencia del director Ryan Coogler para alcanzar la nominación en la categoría principal de la noche. Fue una de las siete nominaciones de la película, que dejó la noche de los Oscar con tres estatuillas técnicas (la merecida Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Dirección Artística y Mejor Banda Sonora), siendo la cifra más alta para una película de este tipo, superando incluso las dos. gana por Joker, que recibió 11 nominaciones al Oscar unos años después.
La historia reciente de los superhéroes en los Premios de la Academia habla mucho más de la lucha del premio por seguir siendo relevante para el público, y frente a los cambios financieros de Hollywood, que de la calidad de las producciones. Dentro de la miopía típica de los Oscar, Black Panther y Joker se legitimaron lo suficiente como “obras de prestigio” como para alcanzar las principales categorías, mientras que otras producciones que apuestan más por el cine de género quedaron fuera. Es un tira y afloja que continuará en el futuro.
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chicago
Chicago no fue la única responsable del regreso de los musicales al centro de atención de Hollywood, ¡especialmente porque Moulin Rouge! tuvo mayor impacto en el público que la película de Rob Marshall , pero es imposible no recordar la importancia del primer musical en ganar el Oscar a la Mejor Película desde 1968.
La historia de Roxie Hart y Velma Kelly obtuvo doce nominaciones al Oscar y aportó una frescura al género, que no era necesariamente otra oda a los finales felices. Con el éxito de Chicago , que se llevó seis premios Oscar, producciones como Los Miserables, Sweeney Todd, Dreamgirls, La La Land y más fueron vistas con otros ojos por los premios, siendo finalmente valoradas por sus aportes al cine.
Aunque el público moderno todavía se resiste a las películas interrumpidas por canciones, la deslumbrante extravagancia de la música, los bailes y el vestuario de Chicago hacen que el espectador se sienta parte de una gran fanfarria. Y aún así poder cantar y recuperar el aliento para la próxima gran actuación.
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Alas
Esta lista no sería la misma sin la primera ganadora del Oscar a la Mejor Película: la épica bélica Wings de William A. Wellman . Estrenada originalmente en 1927, la producción fue reeditada en 1928 con sonido sincronizado, en el que se mezclaba música y efectos sonoros acorde a cada una de las escenas.
Y el motivo por el que la película se convirtió en la primera ganadora del premio es muy claro, gracias a su enfoque pionero en las cuestiones técnicas y al realismo a la hora de filmar combates aéreos. En las grabaciones de la película intervinieron cientos de pilotos y soldados del ejército americano, tanto para supervisar como para participar en secuencias específicas, dando como resultado uno de los decorados cinematográficos más grandiosos de la época.
Además, la película protagonizada por Clara Bow , Buddy Rogers y Richard Arlen sigue siendo hoy un referente en cuanto a montaje, equipamiento y fotografía, siendo ampliamente referenciada en cientos de películas y series a lo largo de los años. De hecho, una de las escenas más llamativas de la película es casi un regalo técnico donde, con la ayuda de una cámara acoplada a una pista invertida, vemos un plano ininterrumpido de una cafetería, que pasa por varios clientes hasta llegar a la casa del protagonista. felicidad fascinante.
A pesar de quedar un tanto eclipsada porque se estrenó el mismo año que El cantante de jazz , conocida como la primera película hablada de la historia, fue gracias a Asas que se reconoció por primera vez la vertiente técnica del cine. Sin él, ninguna película de Christopher Nolan , Martin Scorsese o cualquier otro director de prestigio actual sería capaz de crear momentos tan vívidos y sorprendentes.
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Los difuntos
Fue difícil elegir solo una película de Martin Scorsese para aparecer en nuestra lista de producciones que explican el Oscar, pero al final la elección no podía ser otra que The Departed , la película que se llevó el primer (y único) premio a Mejor Director. al cineasta. O drama policial que acompanha um jovem oficial se infiltrando na máfia irlandesa nos EUA se tornou um sucesso entre o público já na época de seu lançamento, e contava com um elenco de peso, com Leonardo DiCaprio, Jack Nicholson, Matt Damon, Mark Wahlberg, entre otros.
Con personajes extremadamente complejos y dudosos, actuaciones abrumadoras y una tensión creciente, la película es una lección para el género, especialmente en la forma en que transmite tensión al espectador. Es literalmente imposible quedarse quieto en el sofá mientras miras la película, ya sea por la narrativa incómoda o por la forma en que ninguno de los personajes es digno de confianza y nunca se sabe qué está bien o mal. El juego del "gato y el ratón" que Scorsese orquesta en su película es atractivo y encantador; después de todo, nunca se sabe cuándo pueden cambiar las tornas.
Uno de los mayores crímenes de la Academia en el momento de la 79ª edición de los Premios de la Academia fue no haber premiado nunca antes al cineasta. Recién en 2006 recibió la estatuilla, habiendo sido dejado de lado en situaciones en las que dirigió, por ejemplo, Raging Bull, Goodfellas, The Aviator y varias otras producciones en las que realizó trabajos por encima de la media. Hoy en día, Scorsese es el único director en la historia del premio que ha recibido 10 nominaciones y, aunque no se lleve la estatuilla a casa en 2024, seguirá siendo sin duda uno de los más grandes de toda la historia del cine.
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La elección de Sofía
Es imposible hablar de Oscar sin hablar de Meryl Streep . Con 21 nominaciones en las categorías de actuación de los premios, se ha convertido en sinónimo de la ceremonia de la Academia, y aunque su última nominación fue en 2018 (por The Post - The Secret War ), hace más de media década, todavía resulta un poco extraño verla. una lista de los Oscar sin su nombre entre los contendientes. Vale la pena recordar que Meryl no es la intérprete más premiada de la Academia (el honor pertenece a Katherine Hepburn , con 4 victorias), pero ganó la estatuilla tres veces, y la más memorable fue probablemente en 1983, por Sophie's Choice .
En la epopeya de 2:30 horas de Alan J. Pakula , Meryl abarca décadas de la vida del mismo personaje, comenzando como una joven polaca que experimenta de primera mano los horrores de la invasión nazi en la Segunda Guerra Mundial y terminando en la Nueva York de los años cincuenta. , donde vive una tempestuosa relación con un judío estadounidense ( Kevin Kline ) y un escritor interesado en contar su historia ( Peter MacNicol ). Es una performance que supera transformaciones físicas y lingüísticas, pero sobre todo expresa ansiedades inimaginables y traumas profundos de una manera humana y sorprendente.
La película recibió cinco nominaciones al Oscar, la mayoría en categorías técnicas - Mejor actriz, para Meryl, acabó acaparando toda la atención de la crítica, que rara vez recuerda otros aspectos de Sophie's Choice hoy en día. Frente a la desafiante epopeya de El francotirador (por la que la estrella ganó su primer Oscar, en 1979) y la decepción burocrática de La dama de hierro (que le valió su tercera estatuilla, en 2012), la película quedó marcada como la más grande. triunfo de uno de los nombres más imborrables de la historia de la Academia.
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Parásito
¿Recuerdas cuando Jane Fonda miró al público de los Oscar 2020 y, con una sonrisa como si supiera el momento histórico en el que participaba, anunció que Parasite había ganado la estatuilla a Mejor Película? Entonces, ¡estábamos felices y no lo sabíamos! Y no es solo porque este fue uno de los últimos momentos verdaderamente jubilosos de la cultura pop antes del estallido de la pandemia de Covid-19, sino porque los Oscar finalmente reconocieron que una película producida fuera del eje entre Estados Unidos y el Reino Unido era la mejor del año. ... Justicia histórica, por decir lo menos.
No nos malinterpretes: la película de Bong Joon-ho es realmente increíble, una aguda sátira social y un brillante thriller al mismo tiempo, además de estar llena de actuaciones y escenas antológicas ( Song Kang-ho fue desairado en el Categoría Mejor Actor). Pero la importancia de Parasite en la historia de los Oscar es mayor que sus propios méritos, ya que sirve como avatar de una lista gigantesca de grandes películas habladas en idiomas distintos del inglés, que siempre han sido ignoradas o relegadas a papeles secundarios en los Premios de la Academia. mucho aunque se vende como “el más grande del mundo ”.
Aún mejor es recordar que el director Bong no perdió la perspectiva de lo que significó esa victoria en el gran esquema de las cosas. Además de aprovechar uno de sus discursos (también ganó la estatuilla de Mejor Director) para criticar las reticencias del público estadounidense a las películas con subtítulos, hizo declaraciones antes y después de los Oscar en las que destacó que el premio es “ muy regional.” ” frente a otras celebraciones cinematográficas que abrazan mucho mejor la pluralidad de la producción global. El hombre tiene un punto.
Ha nacido una estrella
Ninguna película obtuvo tanto éxito en los Oscar como Ha nacido una estrella , sobre todo porque las cuatro versiones de este drama que involucra el amor y el arte fueron aclamadas en los premios. Todo comenzó en 1937, cuando William A. Wellman escribió la historia donde un joven soñador busca convertirse en estrella de cine. Cuando comienza su viaje hacia la fama, la mujer se enamora de la estrella Norman Maine, pero el cuento de hadas pronto se convierte en una pesadilla que les costará a ambos su amor.
En la décima edición del premio, la primera versión de la producción obtuvo ocho nominaciones, resultando ganadora como Mejor Guión Original. A partir de entonces, esta historia clásica sería revisada tres veces más: en 1954, con Judy Garland y James Mason (6 nominaciones) ; en 1976, con Barbra Streisand y Kris Kristofferson (4 nominaciones y 1 estatuilla) ; y en 2018, con Lady Gaga y Bradley Cooper . De hecho, fue con la versión de 2018 que la historia ganó frescura y llegó a un público nunca antes visto por la obra.
La confirmación de Gaga en la película hizo que todos estuvieran ansiosos por ver su interpretación de la soñadora protagonista, más aún después de su victoria como Mejor Actriz en los Globos de Oro por American Horror Story . La aclamación por su actuación fue tan grande que recibió nominaciones a los Critics' Choice, Grammy, SAG Awards y decenas de otros premios en todo el mundo. La película también obtuvo ocho nominaciones en la 91ª edición de los Premios de la Academia, incluida la de Mejor Actriz, y un triunfo en la categoría de Mejor Canción Original para la cantante.
¿Nuestra única certeza? Si Hollywood decide hacer una nueva versión de Ha nacido una estrella dentro de unos años, ¡seguramente será igual de aclamada!
¿Dónde mirar? La versión 2018 está disponible en Max ; los de 1976 y 1954 están disponibles para alquilar en Prime Video y Google Play , respectivamente; y la versión de 1937 está disponible en MUBI .
Guerra en las estrellas
¿Sabías que la primera Star Wars , originalmente titulada Star Wars en Brasil (y luego retitulada Episodio IV - Una nueva esperanza de George Lucas ), fue nominada a 11 - sí, ¡ once! - ¿ Categorías de los Oscar de 1978 ? La epopeya de ciencia ficción que lanzó una de las mayores franquicias de la cultura pop y redefinió la superproducción de Hollywood estuvo nominada a Mejor Película y Mejor Actor de Reparto (por Alec Guinness , Obi-Wan), pero acabó abandonando la ceremonia con “sólo” seis estatuillas. técnicas, incluyendo Mejor Música para John Williams , Mejor Diseño de Vestuario para John Mollo y Mejores Efectos Especiales.
Es un tipo de respaldo que muy pocas películas de este tamaño y de este género reciben de la Academia. Prueba de ello es la poca consideración que el Oscar prestó a las secuelas de la saga, que se limitaron a categorías técnicas, y no ganaron ni siquiera éstas; de hecho, después de la primera película, Star Wars sólo ganó una estatuilla más, la de Mejor Sonido. para El imperio contraataca . Al final, el desdén de la entrega de premios por las franquicias (aparte de El Padrino , pero hablaremos de eso en los próximos días) y la ciencia ficción terminaron ganando el aprecio de los votantes por la multitud del Nuevo Hollywood, entre los que se encontraba George Lucas. era miembro parte integral.
De hecho, resulta curioso comprobar que, de los grandes medallones de su época, Lucas es uno de los únicos que nunca ganó una calva dorada. Steven Spielberg y Francis Ford Coppola ciertamente tienen el suyo; de hecho, los dos se unieron a Lucas en el escenario de los Oscar de 2007 para bromear al respecto, mientras le entregaban a otro de sus contemporáneos ( Martin Scorsese ) su primer premio al Mejor Director. Qué error, ¿eh, Academia?
¿Dónde mirar? Disponible en Disney+ .
El niño y el mundo.
Si bien siempre recordamos que Brasil compitió por el Oscar con Central do Brasil y Cidade de Deus , nuestro país también se presentó en una de las categorías más destacadas del premio: ¡Mejor Animación! Sí, ya teníamos un representante brasileño en la categoría gracias a la película O Menino e o Mundo , de Alê Abreu .
Uno de los puntos que distingue a la película de otras producciones que compitieron a su lado es la forma en que se creó el universo de producción. Se crearon innumerables escenarios divertidos y diferentes personajes utilizando técnicas que involucran crayones, collage y pintura, haciendo la experiencia aún más lúdica y con una sensibilidad extraordinaria. Además, también se adaptaron sonidos que difieren de los ruidos reales solo para la producción, todo para dejar a la imaginación como guía del público a través de las aventuras de la película.
Aún con toda la excelencia técnica y su cautivadora historia, la animación brasileña se enfrentó a grandes títulos como Anomalisa , Shaun, La oveja , Como memorias de Marnie y Inside Out en los Oscar, siendo este último el ganador de la categoría en 2016. , se dio un gran paso en la historia de la animación brasileña con la aparición de la película en premios como el Oscar, los Premios Annie y más, abriendo espacio para que, en el futuro, otras producciones animadas de nuestro país puedan competir por los mayores premios del cine. .
¿Dónde mirar? Disponible en Globoplay .
Qué verde era mi valle
En 1941 se estrenó en los cines una película llamada Ciudadano Kane y se convirtió en una de las obras más celebradas de la historia de Hollywood, un gran aporte al Séptimo Arte. Sin embargo, los elogios fueron suficientes para ganar el Oscar a la mejor película al año siguiente: la ganadora fue Como Era Verde o Meu Vale . Es fácil comprender la indignación por la derrota de la película de Orson Welles , principalmente por su impecable interpretación y la forma en que influyó, tanto técnicamente como en la estructura de los guiones, en las producciones que siguieron. Pero ¿qué hizo que la película de John Ford se convirtiera en la mejor de ese año?
Un drama sobre la mayoría de edad , How Green Was My Valley es mucho más que "la película que derrotó al ciudadano Kane" y cuenta la historia de una familia de mineros que viven en los valles del sur de Gales. La trama gira en torno a Huw, el más joven de los hermanos, especialmente en lo que respecta al crecimiento del niño en la aldea, las relaciones familiares y los efectos que la búsqueda de minerales tiene no sólo en las estructuras familiares sino también en la propia región. De hecho, la pérdida de la infancia y la desesperación de la juventud retratadas a través de las experiencias traumáticas de los personajes son tratadas de manera sublime por Ford, quien también superó a Welles y se llevó a casa la estatuilla al Mejor Director ese mismo año.
A pesar de estar siempre a la sombra de Ciudadano Kane , la obra maestra de Ford merece ser revisitada (o vista por primera vez), principalmente por la delicadeza con la que se aborda cada uno de los temas, haciendo que el espectador se sienta parte de esa gran familia del interior. Y si puedo recomendar una película imperdible de esta lista, quizás Como Era Verde o Meu Vale sea la opción ideal para quienes necesitan recordar un poco de su infancia para afrontar las turbulencias de la vida.
¿Dónde mirar? Disponible en Star+ .
Día de entrenamiento
Sólo dos artistas negros han ganado más de un Oscar competitivo en la historia de los Premios de la Academia: Denzel Washington y Mahershala Ali . El nombre de Washington, en particular, se ha convertido casi en sinónimo de Oscar; si hay un actor que podría definirse como “la versión masculina de Meryl Streep ”, diríamos que es él. Con nueve nominaciones en total, ganó la estatuilla de Mejor Actor de Reparto por Un tiempo de gloria en 1991, pero sólo logró ser “ascendido” a la categoría principal con Training Day .
De la mano del director Antoine Fuqua , que se convertiría en el socio recurrente de Washington (sus películas en la franquicia de acción The Protector ), la película escrita por David Ayer se convirtió en una plataforma indiscutible para el talento del actor, interpretando a un policía corrupto que emana agresividad, pero también elocuencia. Con un puñado de discursos inolvidables, el terrible Alonzo es el personaje más shakesperiano en el que Washington había hundido sus garras antes de realizar una adaptación literal de Shakespeare -y ser nominado al Oscar por ello, por cierto- en La tragedia de Macbeth .
La victoria de Washington en el Training Day también es simbólica porque en los Oscar de 2002 dos actores negros fueron premiados como Mejor Actor y Mejor Actriz ( Halle Berry , por La última cena ) por primera y única vez en la historia de los premios. Desde entonces, otros tres actores negros han ganado la principal categoría masculina de la Academia ( Jamie Foxx , Forest Whitaker y Will Smith ) , pero ninguna otra mujer negra ha ganado el premio a la Mejor Actriz, un tabú que continuará en 2024, ya que los Oscar decidieron no nominar. Fuertes candidatas como Teyana Taylor ( Los mil y uno ), Aunjanue Ellis-Taylor ( Origen ) y Fantasia Barrino ( El color morado ).
¿Dónde mirar? Disponible en máx .
Titánico
Una de las mayores historias de amor del cine, que obtuvo once (¡sí, once !) de catorce nominaciones al Oscar, ¡no podía quedar fuera de esta lista! Puede que James Cameron incluso intente convertir Avatar en su obra maestra, pero fue con Titanic que logró ese estatus y también presentó al mundo su perfeccionismo y enfoque técnico al recrear uno de los mayores desastres marítimos de la historia. Si la historia de la película surgió de una manera sencilla –como Cameron estaba enamorado del océano, ver una imagen del Titanic le hizo pensar en una versión de la tragedia de Romeo y Julieta– , toda la concepción y creación de cada uno de los detalles se volvió algo extremadamente grandioso.
Partes del barco se construyeron a escala real para que todo fuera aún más realista, con la cubierta construida bajo una especie de bisagra que podía elevarse de cero a 90º en segundos, como en un naufragio real. Las piezas se construyeron meticulosamente de acuerdo con imágenes y bocetos del barco real y, para consternación de varios productores (y ejecutivos de 20th Century Fox (hoy solo 20th Century Studios), un tanque que contenía alrededor de 17 millones de galones de agua para el que fue construido. Recrea la escena donde el barco finalmente se hunde. Incluso con toda la presión por obtener beneficios económicos, Cameron siguió creyendo en el éxito de la película, y también en las jóvenes estrellas que formarían parte de su película: Leonardo DiCaprio y Kate Winslet . De hecho, fue gracias a la formidable química del dúo que la producción logró el éxito que tiene hoy, y también mostró a Hollywood su talento.
Completamente fuera de lo común, Titanic fue la segunda película en la historia de los Oscar en ser nominada en 14 categorías (detrás del clásico Wicked One , en 1950), y la segunda en lograr 11 triunfos, detrás de Ben-Hur , que fue el primero en ganar. Logró la hazaña en 1959. Las fascinantes imágenes, combinadas con un guión un tanto simple, hacen de este amor prohibido entre dos jóvenes uno de los mayores clásicos de los Oscar, y un peso gigantesco en la historia de la Academia.
¿Dónde mirar? Disponible en Star+ .
El poderoso jefe
Tocamos un poco en el impacto de la Nueva Hollywood en los premios Oscar cuando hablamos de La guerra de las galaxias, hace unos días, pero nada supera la llegada de El padrino al premio de la Academia. La obra maestra de Francis Ford Coppola, figura clave de esa generación de cineastas que revolucionó el cine comercial estadounidense a partir de la década de los 70, fue nominada a 11 estatuillas y ganó tres, incluyendo la de Mejor Película y Mejor Actor (Marlon Brando). Compara el épico y violento trabajo de Coppola con los ganadores del Oscar a la Mejor Película de la década de 1960 (¡Oliver! La novicia rebelde My Fair Lady!), y comenzarás a entender el cambio de paradigma que representó la Nueva Hollywood.
Aún mejor es saber que El padrino: Parte II tuvo aún más éxito fabuloso en los premios Oscar que la primera. Con otra victoria como Mejor Película, la secuela consagró a El padrino como la única franquicia en ganar el premio principal de la Academia más de una vez, además de significar el primer premio para Robert De Niro, y finalmente otorgar el premio a la Mejor Dirección para Coppola. En total, obtuvo seis estatuillas, dejando clara la dominación ejercida por una generación de cineastas cuya fuerte ambición autoral hizo que Hollywood dejara atrás el obsoleto sistema de estudio (donde los estudios tenían el poder de contratar y despedir artistas, y los productores tenían más control creativo que los directores o guionistas).
Pero, si todo esto es aplicable, también debemos hablar de El padrino: Parte III, que llegó dieciséis años después de la segunda película, enfrentándose a una industria cinematográfica completamente transformada. Sí, es cierto que Parte III es ampliamente (y merecidamente) reconocida como la peor de la saga, pero parte del intenso rechazo que sufrió en su momento también tuvo que ver con el hecho de que era una obra completamente desvinculada de su tiempo. ¿El resultado en los premios Oscar? Siete nominaciones, incluyendo Mejor Película, obtenidas gracias a la imponente campaña de la Paramount, pero ninguna victoria.
¿Dónde ver? La primera película está disponible en Star+ y en Paramount+. La segunda, en Star+ y en Telecine. La tercera, para alquiler y compra en Prime Video.
Guerra contra el terror
Kathryn Bigelow ha hecho películas excepcionales desde principios de la década de 1980. Como una de las directoras que mejor dominan la tensión y el lenguaje de género en Hollywood, no es de extrañar que solo haya ganado el favor de la crítica y de la Academia cuando abandonó la fantasía y la ciencia ficción por una historia de guerra realista y brutal. Vivir al límite se apoyó en la relevancia social de su retrato inflexible de la realidad en Irak para sorprender en los premios Óscar 2010 y no solo llevarse el premio a la Mejor Película (sobre favoritas como Avatar y Bastardos sin Gloria), sino también convertir a Bigelow en la primera mujer en ganar el premio a la Mejor Dirección.
El momento en sí ya es icónico: Barbra Streisand, repetidamente ignorada por la Academia en la categoría de dirección, abre el sobre y declara que "ha llegado el momento" (el "finalmente" se sobreentiende) antes de anunciar el nombre de Bigelow. Al igual que sucedió con Parásitos años más tarde, y con tantas otras en la historia de los Óscar, es una victoria que significó mucho más que los méritos de la ganadora; la ceremonia de 2010 fue la 82ª en la historia del premio, lo que significa que, en los 81 años anteriores, la Academia se negó a premiar a nombres que definieron y redefinieron el cine, como Agnes Varda, Jane Campion, Chantal Akerman, Claire Denis, Ida Lupino, Lina Wertmüller, Julie Dash… en fin, cualquier lista sería insuficiente ante la enorme contribución de las directoras mujeres al séptimo arte.
Las cosas han mejorado un poco (énfasis en un poco) desde entonces. Chloé Zhao (Nomadland, en 2021) y la propia Jane Campion (El poder de los perros, en 2022) se unieron a Bigelow en el reducido grupo de mujeres ganadoras del Óscar a la Mejor Dirección, y la categoría normalmente ha incluido al menos una nominada del género femenino en los últimos años. Pero, por supuesto, no es suficiente: ¿3 mujeres premiadas en 96 años? ¡Hay mucho, pero mucho, que mejorar en ese número, Academia!
¿Dónde ver? Disponible en Prime Video y en Netflix.
El artista
¿Una película completamente muda, y en blanco y negro, de mediados de la década de 2010? Unos 84 años después de que Wings ganara en 1927, la comedia francesa The Artist sorprendió a todos al ganar el premio a la Mejor Película en la 84ª edición de la ceremonia de la Academia. Pero ¿cómo podría una película que es totalmente contraria a todo lo que se aprecia hoy en día ganar la categoría más importante del premio?
Bueno, no es nuevo que Hollywood esté fascinado por las películas que hablan (y sobre todo, aclaman) a la propia industria cinematográfica, por lo que no sería sorprendente que The Artist obtuviera al menos algunas nominaciones a los premios. Pero, incluso con la fascinación por este metalenguaje en el cine, lo que diferencia la película de Michel Hazanavicius de las otras nominadas es la forma simple e inusual en la que se desarrolla. El melodrama recoge lo mejor del cine mudo, su expresividad y también los famosos intertítulos con una banda sonora un tanto dramática, y unas actuaciones que sorprenden con solo mirarlo. Aunque hace más que bienvenidas referencias a clásicos como Metropolis , Citizen Kane , Singing in the Rain (otro clásico del metalenguaje en el cine) y más, la película no depende sólo de estos dispositivos para crear un entorno que lleve al espectador a 2011 hasta los locos años veinte .
The Artist es una pequeña joya que a menudo se olvida en la sala de ganadores del premio a la Mejor Película, al igual que la sonrisa y la elegante actuación de Jean Dujardin y Bérénice Bejo en su gran actuación al final de la película. Es como si la verdadera alma y la magia del cine renacieran en la pantalla, para que las nuevas generaciones se enamoren de él como todos los que nos precedieron.
¿Dónde mirar? Disponible en máx .
Los malvados
¡Ah, nada como una pelea de artistas para coronar el final de nuestra lista y elevar el nivel de actuaciones memorables en los Premios Oscar! Y si también extrañaste a Bette Davis por aquí, puedes estar tranquilo. Una de las mejores actuaciones de la primera dama del cine nunca sería olvidada por nosotros, sí, estamos hablando de Eva al desnudo.
Todo comenzó cuando el cineasta Joseph Mankiewicz leyó una historia real llamada La sabiduría de Eva, donde una actriz famosa admitía a una joven fan en su equipo y era sorprendida cuando la chica intentaba robar su papel. Él pensó que sería una gran historia para la pantalla grande. Después de escribir el guion y buscar arduamente las mejores opciones para interpretar a las protagonistas, el equipo eligió a Davis como Margo Channing y Anne Baxter como Eve Harrington. Las elecciones no podrían haber sido más adecuadas, después de todo, ambos papeles encajaron perfectamente para las actrices, quienes entregaron actuaciones sorprendentes y totalmente inolvidables: mientras Davis era una afilada y sarcástica estrella de Broadway, Baxter conquistó con su falsa dulzura, convirtiéndola en una villana aún más traicionera y cínica.
Es innegable que el peso de las actuaciones sea el gran punto fuerte de la película, pero la historia intrigante del lobo con piel de cordero conquista desde sus primeros minutos, y hace que te compadezcas del no tan envidiable viaje de Margo. Y casi como un paralelo con la producción, la brillante actuación de Davis no fue elegida como la mejor de ese año por la Academia, ni Baxter, quizás Gloria Swanson en el también clásico El crepúsculo de los dioses… el Oscar fue para Judy Holliday en Nacida ayer. Como mencionamos anteriormente en esta lista, ¡no siempre los favoritos salen premiados, ¿verdad?
¿Dónde verla? Disponible en Belas à La Carte.
Conexiones peligrosas
Es una pena, por no decir una indignación , que el único récord relacionado con los Oscar en la carrera de Glenn Close sea negativo. La actriz actualmente está empatada con el fallecido Peter O'Toole como la intérprete que recibió más nominaciones a los premios sin ganar una sola estatuilla. Hubo ocho actuaciones de Close reconocidas por la Academia, pero es difícil negar que la más notable fue en Las amistades peligrosas , que la puso en la carrera por la Mejor Actriz (finalmente ganada por Jodie Foster , por The Accused ) en los Oscar de 1989. .
La película de Stephen Frears puso a Close en la piel de la despiadada marquesa de Marteuil. Junto con su cómplice, el vizconde de Valmont ( John Malkovich ), planea arruinar la reputación -y la psicología- de las relativamente inocentes Cecile de Volanges ( Uma Thurman ) y Madame de Tourvel ( Michelle Pfeiffer ). Incluso con un elenco absurdo en la cima de su juego, recitando uno de los guiones más nítidos de los dramas de época de Hollywood, Close es el punto culminante obvio de la película, ya que crea a una mujer cuya mordaz frialdad sólo es comparable con las emociones que burbujean bajo esa fachada, que llega a una cabeza en una escena devastadora.
De pie frente al espejo y quitándose el pesado maquillaje de la alta sociedad francesa del siglo XVIII, la marquesa poco a poco se desmorona... y Close demuestra un control absoluto de su arte transmitiendo todo su dolor sin una sola palabra. Pensar que una intérprete de esta talla nunca ha ganado un Oscar, a pesar de haber ofrecido tanto de sí misma en películas como Atracción fatal y La esposa , es exasperante. Aquí hay una alegría: Close, a diferencia de O'Toole, no tiene que conformarse con el "premio de consolación" más famoso del Oscar: la estatuilla honorífica por "logro de toda una vida".
¿Dónde mirar? Disponible para alquilar y comprar en Apple TV+ y Prime Video .
Luz de luna: bajo la luz de la luna
Moonlight es mucho más grande que el desastre que marcó su victoria como Mejor Película en los Oscar de 2017, pero, para ser honesto, a nosotros también nos encanta el desastre. Debido a un intercambio de sobres y a la vacilación de los presentadores Warren Beatty y Faye Dunaway , la estatuilla fue entregada por error al equipo de La La Land: Singing Seasons , quienes subieron al escenario y tuvieron que corregir el error en vivo, con el productor Jordan Horowitz gentilmente llamando. a los responsables de Moonlight a aceptar el premio en su lugar. Uno de los momentos televisivos en vivo más absurdos y emocionantes de este siglo, punto.
Pero Moonlight merece cerrar nuestra lista de películas que explican el Oscar también porque es una de esas obras maestras que suceden muy raramente, y que son aún más difíciles de reconocer por la Academia. Barry Jenkins hace aquí una película que merece ser vista y revisada a lo largo de los años, porque se abre a nuevos significados y sensibilidades cada vez que el espectador regresa a ella maduro, cambiado por la vida que ha vivido desde la última vez que la vio. Una obra que se convierte en una compañera para toda la vida, una fuente inagotable de significados visuales, sonoros, verbales, sociales y emocionales.
Igualmente importante es señalar que Moonlight fue el primer largometraje centrado en personajes negros y LGBTQIA+ en ganar el Oscar a la Mejor Película, otra de esas puertas abiertas por las que pocas obras han podido pasar desde entonces, gracias a la terquedad de la Academia. y lentitud para adaptarse a los nuevos tiempos. ¿Más simbólico que esto para definir los Oscar? Imposible.
¿Dónde mirar? Disponible en Prime Video y Max .
